ALPHA BETA GAGA

Discos Beta Gaga: M.I.A. - Arular (2005)

2012-01-26T04:56:00.000-08:00

Más allá de que hayan sido los disparos y las cajas registradoras los que la hicieron famosa en Kala (2007), M.I.A. ya había compuesto su tour de force en Arular, su tremendo disco debut que desafía todas las fronteras y etiquetas posibles. Dijeron que es pop, pero hay que ser sordo para comprar: esta música es un collage caótico y quebrado, compuesto a base de esos beats que parecen venir de todas las esquinas del mundo y los gritos de resistencia tamil de la cerebral Arulpragasam, que esta llena de energía y actitud. Un disco infaltable en la colección Alpha Beta Gaga.

M.I.A. - "Arular"

Chairlift - "Something"

2012-01-22T15:56:00.000-08:00

Something es un disco mendigado a los ochenta, que amalgama el synth pop con chill wave, siempre con el toque particular de los de Brooklyn sobrevolando a lo largo de 11 piezas de una belleza que embelesa y enamora. El resultado es un pop tan directo como irresistible, con la voz hipnótica de Caroline Polachek (una belleza única) susurrándonos amor al oído, como arma letal e infalible. La jugada de Chairlift me recuerda a la última de Goldfrapp: volantazo hacia el Synth Pop con grandes resultados.

10 Discos Internacionales (Por Fede & Vere)

2012-01-16T11:29:00.000-08:00

Una de las cuentas pendientes era retomar el ciclo 10 Discos Internacionales. Todavía nos queda tela para cortar para rato, especialmente si están descargando y escuchando los discos que proponen estas extravagantes personalidades que les voy presentando lista tras lista. Dicen que lo bueno viene de a dos, les traigo entonces las listas de mi amigo Fede y su chica Vere. Fede es un muchacho de Buenos Aires, un verdadero amante de la música con una clara inclinación por la proveniente de las Islas Británicas. A pesar de que trastabilla un poco con su costado pasional por "el rojo", equipo de sus amores en el balonpié, es un chaval muy querible. De Vere, honestamente, sé poco y nada, pero es una muchacha que entró en el mundo de Fede, y eso ya es dato suficiente. De todos modos acá tenemos su lista como para conocerla mejor. Claro, como dije antes, la música que elegimos muestra algo de nosotros mismos.
Las damas primero entonces:

Vere

Muse: "Absolution"

The Killers: "Sam's Town"

The Strokes: "Room on Fire"

Arctic Monkeys: "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not"

Radiohead: "In Rainbows"

Moby: "Play"

Kinky: "Reina"

Nirvana: "Nevermind"

Kings of Leon: "Come Around Sundown"

Snow Patrol: "Fallen Empires"

Fede

Red Hot Chili Peppers: "Californication"

Muse: "Showbiz"

The Strokes: "Is This It"

Kasabian: "West Ryder Pauper Lunatic Asylum"

Arctic Monkeys: "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not"

Oasis: "(What's The Story) Morning Glory?"

Coldplay: "A Rush of Blood to the Head"

Radiohead: "In Rainbows"

Radiohead: "OK Computer"

Radiohead: "Hail to the Thief"

2 0 1 2

2012-01-15T18:15:00.000-08:00

Luego de un generoso 2011 que dejó musica en cantidad y calidad, comienza a tomar la posta el 2012, el año del fin del mundo (somos románticos, déjennos creerlo), y asoman sus primeros hijos. Acá dejo algo de lo que se viene, incluyendo los esperados regresos y la interesante aparición de la enigmática Grimes. Por los pagos de Alpha Beta Gaga se viene probablemente un año más errático que de costumbre, ya que estas manos han comenzado a participar por otros medios y a esto se suma la inevitable mutación interior de nosotros los responsables del blog. A esto, los que ya han leído el blog antes (o basta con sólo ver entradas viejas) ya lo habrán notado con el correr de las entradas: cambios en la forma de escribir, en la música que se escucha, en la óptica hacia las cosas en general. No sabemos si se trata de un crecimiento, preferimos referirnos más bien a una mutación; a un giro inevitable por una cadena que amalgama, de manera un tanto sádica, la lógica con el azar. Somos uno sólo y mutamos al unísono; somos Loomer, Oposigual, Melvin Bromsby; tan parecidos y opuestos, unidos en el caos y por el caos, con la música como nuestro fiel transporte hacia un lugar mejor: exactamente donde sea que tengamos ganas de estar.

Loomer - Oposigual - Melvin Bromsby

Surfing on a Rocket

Le Voyage Dans la Lune

Nuestros queridísimos Nicolas Godin y Jean-Benoit Dunckel tienen un disco nuevo listo para ser lanzado (6 de Febrero), inspirado en la película muda de 1902 del mismo nombre. El dúo se encargó de restaurar el film para usarlo en las giras. Por el adelanto que nos ofrecen; es una locura. Le Voyage Dans la Lune contará con Victoria Legrand (Beach House) y las Au Revoir Simone como invitadas. El dúo ofreció dos adelantos: "Seven Stars",vocalizada por Legrand y "Sonic Armada" (esta última esta acompañada de un video que incluye imperdibles imágenes del film restaurado).

Cat Power

Por otro lado, la bella Chan Marshall, otra de nuestras queridas, anunció via twitter que finalmente lanzaría este año The Sun, disco cuyo lanzamiento se viene dilatando desde hace años. Junto a la noticia, Chan lanzó a beneficio una canción nueva, con video incluído.

The Shins

Tipo jodido y perfeccionista, por sobre todas las cosas, es James Mercer. Al punto que de un día al otro decidió echar a los demás miembros de The Shins y rearmar la banda a su gusto. Lo cual nos advierte un disco con más sabor a Mercer solista que otra cosa. Y la primera evidencia aparece en Simple Song, que se aleja un poco de lo característico de los Shins para abrazar un sonido más exhuberante, ambicioso, alla Arcade Fire manteniendo, no obstante, el costado pop hiper melodioso que Mercer maneja tan bien. En fin, pasaron 5 años del genial Wincing the Night Away y pronto se cumpliran 2 de Broken Bells (otro gran logro). ¿Qué nos traera James Mercer en Mayo con Port of Morrow? Acá va un adelanto:

The XX

Los hijos del silencio anunciaron el lanzamiento de su segundo disco para este año. Toda una prueba para los chicos, ya que seguro tendrá pendiente al grueso de los medios musicales luego del ruido del éxito de su debut homónimo. Ya lanzaron un adelanto, es sólo un demo, pero adelanto al fin:

Grimes

Claire Boucher es la gran promesa. De la escuela de Fever Ray (una querida más de este blog y van...) hace una especie de electrónica mitad bailable/mitad cuelgue bastante oscura, con su voz fantasmagórica de niña sobrevolando los sombríos paisajes de su música, que tiene también algo mendigado a los '80, como casi todo lo que tenemos hoy en día. Acá van dos adelantos de Visions, su disco debut que será lanzado bajo el ala protectora del sello 4AD.

Genesis

Oblivion

Atención que este año se vienen también discos de Leonard Cohen, MGMT, Spiritualized, Grizzly Bear y OutKast, entre otros.

Los Discos del 2011: Parte 3

2011-12-26T15:38:00.000-08:00

12. The Strokes - Angles

Escucho The Strokes desde mis 13/14 años. Quizás tenía el formato Room on Fire demasiado asimilado, porque al principio Angles me chocó un poco. Pero me fue contagiando de a poco, concluyendo al final que el único hecho era el de que The Strokes volvieron y lo hicieron con un disco genial (que suena mucho mejor en vivo, dicho sea de paso).

11. Beastie Boys - Hot Sauce Committee Pt. II

Los Beastie Boys se hicieron grandes de mocosos, y nunca pudieron escapar de esa imagen. Tampoco creo que lo harían alguna vez. Pero esta vez les recuerdo, "los mocosos" estan en sus 40 y pico. Sin embargo los encontramos tan insolentes y agiteros como nunca, en las 16 canciones que conforman un disco tremendo.

10. Yuck - Yuck

Hace poco me comentaron, con respecto al revival de los '90, que parece como si los músicos se estuvieran quedando sin ideas. No creo que sea así, hay varios discos en esta lista que desafian los formatos conocidos (tUnE-yArDs, St. Vincent, The Caretaker). De todos modos, volviendo al revival de los '90, realmente se me hace difícil siquiera pensar en eso cuando está sonando este disco. Hablamos del tema cuando termine la última canción, si?

9. The Drums - Portamento

Atrás quedaron los pibes naive que correteaban por las playas en las tardes soleadas. Esta vez son unos muchachos cargados de melancolía que, al revés de lo normal, salen a caminar en un día de lluvia, o ven la tarde nublada por la ventana. ¡Miren! ¡Ahora son existencialistas!

8. Radiohead - The King of Limbs

Thom Yorke dijo que si Kid A y Amnesiac eran hermanos, entonces este es un primo que viene de visita. Estuvo muy acertado, este disco me recuerda en varios aspectos a esas obras maestras. Y, a pesar de que me tomó varias escuchas, la música de The King of Limbs se me fue volviendo de a poco extrañamente adictiva.

7. Wye Oak - Civilian

Chico/chica + Baltimore = ¿Beach House? Sí. En realidad sí, pero no. Esta vez a la fórmula la encarnan los Wye Oak. Unos raritos lindos, dos tristes tigres que, mirando más allá del trigo o el trigal, hicieron un disco hermoso por donde se lo mire.

6. TV On The Radio - Nine Types of Light

Estos deben ser los tipos más copados del universo. Cada cosa que hacen esta tan cargada de energía, de buen gusto, groove, inteligencia, actitud. Y esta vez le adicionaron a la fórmula más melodías. ¿El resultado? Una locura.

5. Peter Bjorn & John - Gimme Some

Volvieron unos de mis favoritos. Cómo no adorar a estos tipos, con sus canciones tan simples, tan deliciosamente artesanales! Esta vez son gemas pop con gustito añejo que se van sucediendo, una sobre la otra en otro disco memorable.

4. St. Vincent - Strange Mercy

Annie Clark es la mujer orquesta y acá aparece con un trabajo retorcido, quebrado, extraño, en donde los formatos y las estructuras apenas existen, ya que estan mutando constantemente. Un disco hecho para reventarte la cabeza.

3. The Black Keys - El Camino

Dan Auerbach y Patrick Carney se deben haber dicho algo así como "Che loco, todo bien con Brothers, pero necesitamos unas canciones más rápidas y accesibles para tocar en vivo; ¿hacemos un par?". Dicho y hecho, se metieron de un día para el otro en el estudio, llamaron de nuevo a su amigo Danger Mouse y empezaron a grabar lo que les salía (fue literalmente así). De esas sesiones nace este monstruo que es El Camino, un disco que no sabe ni sabrá jamás de eso a lo que llamamos paso del tiempo.

2. The Horrors - Skying

Otros que manotearon de lo lindo. Mejor digamos que "tomaron prestado" (podríamos decir que hicieron exactamente lo mismo en sus trabajos anteriores). Y lo han hecho con maestría; al igual que Primary Colours, demuestran que pueden dominar el género que elijan a la perfección. Son solo un par de chicos, jugando con su colección de discos a ser sus bandas favoritas. Quizás no se den cuenta de que ya estan a la altura de muchos de sus ídolos.

1. Metronomy - The English Riviera

A lo largo de la extensa elegancia minimalista de The English Riviera, se respira el espíritu de lo que es estar enamorado, que implica toda esa incertidumbre (She Wants), la melancolía (The Look), la nostalgia (We Broke Free), la ingenuidad (Everything Goes My Way), las súplicas (Corinne), los conflictos (Trouble). Todo esto canalizado mediante sensibles y delicadas piezas de un pop finísimo que muestra a una banda trabajando a la perfección. 11 canciones hermosas, amenas, para conformar un disco perfecto, de esos que podría escuchar todo el tiempo.

Los Discos del 2011: Parte 2

2011-12-14T21:08:00.000-08:00

26. Real Estate - Days

Este disco es como esas chicas cuya belleza no te percataste, hasta que, por esos giros del destino, levantas la mirada y te avivas. Bueno, este disco es así. La diferencia esta en que probablemente la muchacha te mande a volar y este es un simple disco que, al igual que el resto, está esperando que lo escuches, siempre dispuesto a darte otra oportunidad.

25. Miles Kane - Colour of the Trap

[Voy a citar a una sabia Agostina Pagnotta, quien describió el disco en su reseña con tal perfección que no creo valga la pena decir algo más] "Trece temas excelentemente orquestados y con una notable producción que suena a Londres, a beatlemanía, a brit pop, a nubes y llovizna, a adolescentes de flequillo. Miles Kane confirma mi teoría conspirativa: el Corte Inglés es una metáfora y él tiene su propia tijera"

24. Lykke Li - Wounded Rhymes

La muñequita bella de Youth Novels reemplaza la inocencia por las confesiones de pasada la medianoche: Lykke Li se vuelve más oscura y pasional y Wounded Rhymes lo refleja a la perfección.

23. Dawes - Nothing is Wrong

Claramente la música de raíces tradicionales norteamerica corre por las venas de Taylor Goldsmith, parte también del trío Middle Brother, responsable de un interesante debut este año. De todos modos la versión que más me gusta es a la que apuntó en Dawes, acercándose digna y gentilmente a Neil Young y a Crosby Stills & Nash.

22. Black Lips - Arabia Mountain

Los chicos malos de Atlanta hicieron una extraña alianza con Mark Ronson, quien le añadió al caos característico de la banda algo de coherencia y cohesión, haciendo de Arabia Mountain su mejor disco hasta la fecha. (Lotus Plaza produjo también dos canciones).

21. Tom Waits - Bad As Me

Volvió Tom, uno de los pocos malditos que aún camina entre nosotros. Y demuestra que el correr de los años le afila los dientes en lugar de sacarselos. Fiel a su tradición, cada palabra que Tom escupe es ácido puro. Aunque de a tanto se ablanda, dejando entrever que la vida le ha asestado sus buenos golpes. De todos modos, al minuto él ya ha comenzado a reirse de sus cicatrices. Incorregible, como nos gusta.

20. Arctic Monkeys - Suck it and See

Alex Turner y sus muchachos alcanzaron la cima de entrada, con su primer disco. Pero no se quedaron con eso; se reinventaron. Tal como lo insinuó Humbug, apuntan a un rock más espeso y oscuro, mendigado a los '70. A esto se le suman los irresistibles tratados en clave Morrisey que Turner domina a la perfección, como Piledriver Waltz, una de mis canciones favoritas de este año.

19. Wild Flag - Wild Flag

Yo sabía que al fuego de Sleater-Kinney no lo podrían apagar ni sus miembros. Dicho y hecho, Carrie Brownstein (quien bebió de las mejores aguas de Television y Patti Smith) y Janet Weiss reclutaron a Mary Timony (Helium) y a Rebecca Cole (The Minders) y grabaron esta bomba.

18. The Cars - Move Like This

Un disco del que nadie habló. NADIE. Espero no ser la única persona testigo del regreso de los reyes del New Wave con un disco que los trae tan afilados como en sus mejores épocas.

17. Toro y Moi - Underneath the Pine

Underneath The Pine es puro groove; Chaz Bundick juega con su instrumentalización retro (líneas de bajo disco-funk, voces que flotan en el groove y los tecladitos vintage bien al frente) para hacer un disco que invita a bailar y contagia.

16. Smith Westerns - Dye it Blonde

Este puñado de pibes, músicos interesantísimos, hicieron un disco que tiene a T. Rex como la piedra angular alrededor de la cual gira el disco. Adolescente y cursi por donde se lo mire, no deja de ser un disco irresistible. Créditos también para Chris Coady, uno de los productores del momento, quien fuera uno de los responsables de Teen Dream, el disco del año pasado. (Atención con el sorprendete parecido entre Silver Soul y All Die Young; ¿Casualidad o causalidad?).

15. Mogwai - Hardcore Will Never Die, But You Will

Me acuerdo de un día para el otro me avisaron que había disco nuevo de Mogwai. Siempre guardo cierta expectativa ante sus discos y este no me sorprendió en lo absoluto; una vez que lo había escuchado no quedaba mucho por decir. Otro discazo. Punto final.

14. Kasabian - Velociraptor!

Kasabian es probablemente la banda que más se ha ganado mi respeto últimamente. Justo cuando capto la genialidad de West Ryder Pauper Lunatic Asylum, se despachan con un disco que los afirma como rockeros provocadores, estilosos y llenos de actitud, mezclando influencias que van a lo largo de la historia del rock con el mejor resultado posible.

13. The Caretaker - An Empty Bliss Beyond This World

Este increíble disco, inspirado en estudios sobre las mentes de personas que sufren de Alzheimer, es un viaje oscuro en clave Lynch, en el que suenan vinilos viejos en algún rincón de un salón oscuro. Silencios, loops, ruidos de estática, ecos, canciones que terminan repentinamente, fragmentos defectuosos... son todos componentes que quizás cuando escuchamos no lo notamos pero, si ponemos atención, nos damos cuenta de que han sido seleccionados con cuidado y perfección por ese genio que es James Kirby. Prometo reseña aparte.

Los Discos del 2011: Parte 1

2011-12-11T20:09:00.000-08:00

"¿Parte 1?" Si, decidí ampliar el espectro. O quizás me volví más cobarde, no lo se. La cuestión es que la lista de este año esta dividida en tres partes, ya que tiene algo así como el doble de discos con respecto a la que hice el año pasado. Hay que verle el lado positivo; en todo caso se van a encontrar con más discos para escuchar. ¡Eso! Es altruismo! Eso me hace quedar un poco mejor, ¿cierto?. Aunque en realidad hice la lista pensando en los discos que más disfruté... la hago más para mí que para ustedes, no les voy a mentir. Bueno, ven, ahora también tiene honestidad. Esto cada vez se ve mejor, mis padres deben estar orgullosos.

Loomer

40. Florence + The Machine - Ceremonials

Oscuro y teatral; intenso y espectral, Ceremonials da la impresión de ser un disco en el que la cordura de Florence está en jaque. Otro triunfo de la inglesa, cuya voz vuelve a dejarnos pasmados.

39. Pure X - Pleasure

Los Pure X toman llevan toda esa tendencia de indie soleado para las playas y la lleva a un sitio más oscuro, no apto para todo público. Un disco para escuchar con auriculares en esas noches calladas llenas de misticismo que nos suele traer el verano.

38. Bon Iver - Bon Iver

Lo criticaron hasta el hartazgo, pero incluso en sus momentos de saturación, de sobrepoblación instrumental, de instancias "Kenny G", la fórmula de Justin Vernon para cortar en lo profundo sigue siendo efectiva. Casi que parece una burla.

37. Charles Bradley - No Time for Dreaming

63 años y su primer disco. Toda una vida peleándola, viviendo de trabajitos. Pero nunca perdió su sueño de ser una estrella. Ese que nació luego de ver a James Brown en vivo cuando era joven. 63 años y su primer disco: un tremendo tratado soul bien vintage en el que Charles se desempeña con maestría.

36. Austra - Feel It Break

¿Qué pasa si uno combina Fever Ray con La Roux? Sale esa suerte de The Knife popero ochentoso que hacen los canadienses. Atentos: Katie Stelmanis, la cantante, tiene formación clásica, tanto en voz como en piano. (No se pierdan la sublime The Beast, que cierra el disco de manera inesperada y magistral).

35. Atlas Sound - Parallax

Bradford Cox aparece esta vez con el disco más accesible de su proyecto solista; un delicado tratado sobre la soledad, la distancia, dándole forma a un disco frágil, cristalino: algunas de sus canciones dan la sensación de que con sólo tocarlas se desarmarían por completo.

34. TUnE-yArDs - w h o k i l l

Merrill Garbus es una de las mentes brillantes del momento. Ella puede ser Prince, Talking Heads, Dirty Projectors, Deerhoof o Gang Gang Dance con sólo un par de movimientos. W h o k i l l es funk, jazz, R&B, rock, afro beat, soul...todo combinado con elegancia y energia que se desborda.

33. Fleet Foxes - Helplessness Blues

Robin Pecknold es el comandante de este colectivo místico y chamánico. Folk-pop barroco con reminiscencias a los '60 que hipnotiza, transporta a lugares hermosos. Helplessness Blues suena mucho a folklore celta y esta rodeado de instruentos exóticos. Pero son las voces las que hacen la magia; ¡es imposible no abstraerse y perderse en esas voces!

32. Neon Indian - Era Extraña

En medio de la super hypeada fiebre chillwave hay que reconocer que Alan Palomo, con lo que parece un disco de laboratorio, hizo un gran trabajo; lejos el mejor de esa nueva ola.

31. Holy Ghost! - Holy Ghost!

Si me conocen o han leído este blog antes, sabrán que el electropop es uno de mis géneros favoritos. Y en ese campo el dúo neoyorkino hizo el mejor disco, bajo la tutela de James Murphy, palabra mayor.

30. The Pains of Being Pure at Heart - Belong

Duele un poco, es cierto, toda la superproducción (y ni hablar del hype) en una banda que había demostrado que con un par de dólares podía hacer un gran disco (su debut integró mi lista de lo mejor del 2009). Sin embargo hay que admitir que siguen dominando, (esta vez lejos del lo-fi), esa variación popera del shoegaze bien ganchera.

29. Wilco - The Whole Love

Esta vez Tweedy y sus muchachos aparecieron con un disco extraño, con el que pocos esperaban encontrarse; es como si hubieran metido todos sus discos en una licuadora. Lo que se sirve en el vaso es The Whole Love y, les aseguro, cae muy bien.

28. The Kills - Blood Pressures

No creo que supere a Midnight Boom, como vienen diciendo en todos lados. Pero es sin dudas es un gran sucesor para el magnum opus de la banda, como para que sigan ahí arriba, rockeando con actitud. Tras haberlos visto en vivo, doy fé de que tienen la misma potencia y ferocidad que en sus discos.

27. PJ Harvey - Let England Shake

La primera vez que escuché Let England Shake no entendía nada, la vez siguiente también, la que le siguió; igual. No importa cuántas veces más lo escuche, la sensación sigue siendo la misma: más allá de los relatos de Polly Jean sobre una Inglaterra más oscura que nunca; no entiendo nada, excepto el hecho de que ese disco me hipnotiza.

Discos Beta Gaga: Iggy Pop - The Idiot (1977)

2011-11-13T17:14:00.000-08:00

Es Mayo de 1980 y estamos en las primeras horas del Sábado 18. Nos encontramos en Macclesfield, más precisamente en la casa de Ian Curtis. Luego de ver Stroszek de Werner Herzog, Ian puso The Idiot en su tocadiscos, día en el que se cumplían exactamente 3 años de su lanzamiento. Ese sería el último disco que escuchara en vida.

Debo admitir, me he partido la cabeza tratando de adivinar cuál era la canción que estaba sonando exactamente en el momento en el que Ian se quita la vida. He escuchado el disco muchas veces y me he imaginado la escena correspondiente con cada una de las canciones y todas, a su manera, parecen formar un escenario apropiado.

The Idiot es sin dudas un disco tan oscuro como intenso: se grabó durante la famosa Berlin Era, en la que Bowie e Iggy, más allá del momento prolífico, estaban hundidos en drogas. A mitades del '76 comienzan a trabajar juntos en las canciones del disco. (Finalmente Bowie terminaría también produciendo el disco). En lo musical, la impronta sería la que caracterizaría al resto de los discos berlinescos de Bowie: el sonido industrial de los beats mecanizados que Kraftwerk acababa de presentar al mundo, acompañado por golpes lascivos de guitarra y, en este caso, la voz amenazante de Iggy dirigiendo la siniestra orquesta, en lo que parecía un concierto del más allá.

Nightclubbing, probablemente la mejor canción del disco, fue escrita y grabada de un tirón por Iggy y Bowie, en altas horas de la noche. David estaba disconforme con el resultado, y quería grabarle baterías reales, pero Iggy, quién comprendió el espíritu de la canción a la perfección, pidió que dejara la máquina de ritmos, haciendo de ésta una pieza fría, provocadora y fantasmagórica. Como un mensaje del más allá ("Caminamos por la ciudad/caminamos como fantasmas/aprendemos bailes nuevos; como la bomba nuclear"). Si uno escucha con atención; puede verlo a Ian Curtis cruzando hacia el lado oscuro de la calle. Si; Nightclubbing es mi elección.

Iggy Pop: "The Idiot"

Fecha de lanzamiento: 18 de Mayo de 1977

Sello: RCA

10 Discos Internacionales (Por Lu)

2011-08-08T19:44:00.000-07:00

Esta vez le toca a Lu, una hermana que reside en algún recoveco de la gigante Buenos Aires, y parece haber hecho de la manipulación de su hogar un verdadero arte: claro, ella en realidad no vive en Buenos Aires, sino más bien en su mundo. Y les aseguro que ese es un mundo en el que todos queremos vivir, para internarnos en una vacación permanente, prender un cigarrillo, destapar una cerveza y escuchar discos en su compañia. Para leer la introducción al ciclo, hacer click aquí.

Pulp: "Different Class"

The Strokes: "Is This It"

David Bowie: "Space Oddity"

The Clash: "Sandinista"

The Smiths: "The Smiths"

Arctic Monkeys: "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not"

Joy Division: "Unknown Pleasures"

The Velvet Underground: "The Velvet Underground & Nico"

Talking Heads: "77"

The Libertines: "Up the Bracket"

Loomer

10 Discos Internacionales (Por Mato)

2011-07-06T07:45:00.000-07:00

Mato, locuaz cineasta y, actualmente, DJ. Enigmático y night tripper, Sailor es un cuerpo en movimiento constante, que obliga siempre a adivinar el próximo paso. Pertenece al colectivo DJ's - VJ "Toxic Twins", que le va dando color y sombra a la noche cordobesa. Para leer la introducción al ciclo, hacer click aquí.

Syd Barrett: "The Madcap Laughs"

Deerhunter: "Microcastle"

Air: "Talkie Walkie"

The Velvet Underground: "The Velvet Underground"

The Shins: "Wincing the Night Away"

Menomena: "Mines"

Robert Johnson: "King of the Delta Blues Singers"

Black Mountain: "Black Mountain"

The Raconteurs: "Broken Boy Soldiers"

My Bloody Valentine: "Loveless"

bis: Department of Eagles: "In Ear Park"

Loomer

10 Discos Internacionales (Por Palo)

2011-07-05T19:18:00.000-07:00

Esta es Palo. Oriunda de mi ciudad, se encuentra actualmente entre la hueste de indienautas amigos repostados en la capital cordobesa. Siempre con los brazos abiertos dispuestos a recibir nuevas músicas y compartiendo con la misma predisposición sus hallazgos. En círculos sociales, Boddah surge (por coincidencia) en una loca conexión Jero-Javi, las dos jotas cuyas listas también aparecerán pronto por aquí. Les vuelvo a recordar, por si no han leído la introducción de este ciclo, hagan click aquí.

The Strokes: "Is This It"

The Velvet Underground: "The Velvet Underground & Nico"

Arctic Monkeys: "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not"

The Libertines: "Up the Bracket"

Coldplay: "Parachutes"

Belle & Sebastian: "The Life Pursuit"

Nirvana: "Nevermind"

The Smiths: "The Queen is Dead"

Wilco: "Sky Blue Sky"

Regina Spektor: "Begin to Hope"

bis: Jeff Buckley: "Grace"

A pesar de un par de variantes (los iniciaticos Velvet Underground & Nico y Nevermind y las debilidades personales; Sky Blue Sky y Grace), nos encontramos en esta lista con dos tendencias bien definidas: el revival rock que explotó a principios del '00 (Strokes, Arctic Monkeys, Libertines) y la sensibilidad indie (Smiths, Belle & Sebastian). De la mano de esta última, irían también Parachutes y Begin to Hope, aunque estos llevan esa tendencia más hacia el pop.

Loomer

10 Discos Internacionales (Por Eze)

2011-07-03T04:42:00.000-07:00

Bueno, las listas irán apareciendo en el orden en el que fueron enviadas. Para quien no ha leído la introducción, haga click aquí. Bonus: hacer click en la portada de cada disco para tenerlo en sus computadores y alcanzar la felicidad de manera instantánea.

The Beatles: "The Beatles"

El famoso álbum blanco fue grabado en medio de un conflicto constante entre los fabulosos cuatro. Sin embargo, acá está lo mejor de cada uno: John con canciones como Happiness is a Warm Gun, Sexy Sadie o Cry Baby Bry, Paul hace lo propio con Blackbird, Mother’s Nature Son o Helter Skelter y George con While My Guitar Gently Weeps o Long Long Long (mi favorita). Y esto sólo por mencionar algunas. Se trata de un disco doble en el que cada canción es un clásico. Crecí escuchando este disco y qué puedo decir... es probablemente el mejor de todos los tiempos.

Bob Dylan: "Blonde on Blonde"

Retrocediendo dos años en la historia, el cantautor más grande de todos los tiempos grababa en sólo 2 días, el que se considera el primer LP doble de estudio por un intérprete importante de rock. Acá el gran Bob nos presenta la fórmula de Highway 61 Revisited perfeccionada a la...perfección. El famoso “sonido delgado, mercurialmente salvaje”, tal como lo definiera Dylan, acompañado por su ya legendaria lírica (aquí plagada de surrealismo) marcó un antes y un después en la historia de la música.

Elliott Smith: "Either/Or"

El genio torturado grabó un puñado de canciones (esas que siempre pareció componer con la misma facilidad con la que uno hojea una revista) en la casa de una amiga, sin mucho equipamento o calidad de sonido. Esto le da a la belleza de cada una de las canciones un baño de crudeza para lograr un disco simple, visceral y perfecto.

Nick Drake: "Pink Moon"

El caso de Nick Drake es parecido al de Elliott Smith; eran seres demasiado frágiles, y eso siempre se reflejó en sus trabajos. En el caso de Nick, fueron tres discos antes de decir adiós, y Pink Moon es el último de ellos. Uno diría que es folk, pero tiene demasiada magia y misterio como para decir que es sólo eso. Se trata de Nick con su guitarra, su voz éterea y algún piano ocasional. En From the Morning parece que se está despidiendo de este mundo.

Radiohead: "Kid A"

Cuando uno está con un amigo, escucha lo mismo que él. Y así terminé escuchando este disco, que me voló la cabeza. Radiohead destruye todo lo que había hecho para crear algo nuevo. Nunca había escuchado nada igual y estoy seguro de que nadie lo había hecho. Kid A es díficil de explicar musicalmente, pero crea un ambiente frío, desertico y oscuro, en la que tu única compania es la voz fantasmal de Thom Yorke. Pero lo que acá suena como escalofriante, resulta totalmente adictivo.

The Velvet Underground: "The Velvet Underground & Nico"

El disco debut de los Velvet Underground es la piedra angular de la historia de la música indie. Lou Reed y compañia son anarquía pura, en una epoca en la que el optimismo del flower power mandaba. Acá cada componente es clave; pasando por la capacidad compositora de Lou, la marca de John Cale (el padre del noise), el ritmo punzante de Maureen Tucker, los arreglos de Sterling Morrison y el toque único de Nico, invitada de lujo sin la cual este disco no hubiera sido lo que és. Cuántas bandas no existirían de no haber sido por los velvets...

The Strokes: "Room on Fire"

Hablando de bandas que no existirían de no ser por los velvets... Los Strokes bebieron de las mejores aguas (Velvet Underground y Television, principalmente) y salvaron al rock en una época en la que el futuro no se veía muy prometedor. Escuché este disco a los 14 años y desde entonces nunca se movió de allá arriba, entre mis favoritos.

My Bloody Valentine: "Loveless"

El primer minuto de Only Shallow, (opener del disco), es un resumen de lo que es Loveless: una vez que se disipa el caos aparente de las primeras impresiones, uno se encuentra con una pieza onírica, frágil y etérea. (Las voces de Bilinda Butcher y Kevin Shields detrás de capas y capas de sonido). Este disco es la obra cumbre de esa belleza envuelta en ruido que es el Shoegaze. My Bloody Valentine demostraron que se puede ser noise y armonioso al mismo tiempo y abrieron las puertas a nuevas posibilidades sonoras.

The Stooges: "Raw Power"

Esto es, tal como lo indica el título, poder crudo. Y potenciado al máximo. Los Stooges logran, bajo el ala del gran David Bowie, sacar todo su potencial a la luz en un disco que chorrea actitud, gracias a Iggy y la ferocidad de las guitarras de James Williamson. Pocas veces el rock sonó tan desafiante.

Deerhunter: "Microcastle"

Deerhunter es una de las mejores apariciones de los últimos tiempos y Microcastle es la obra maestra en la que Bradford Cox y cia. unen fuerzas para crear un inteligente collage sonoro que va desde el shoegaze, la psicodélia, el indie rock, ambient, post-punk y podría seguir. 12 canciones que conforman un tour tan hipnótico como encantador.

bis: Air: "Moon Safari"

Loomer

10 Discos Internacionales

2011-06-10T06:30:00.000-07:00

¿Qué es lo que hace de un disco uno de nuestros favoritos? No hay una sóla respuesta para eso, está claro: puede tratarse de algo que nos cautivó desde el primer momento tanto como algo que tomó muchas vueltas para finalmente volarnos la cabeza. Puede ser un disco con el que creciste u otro que siempre sonaba cada vez que ibas a la casa de tu amigo. Puede ser también el simple hecho de ser un disco que nos llegó en el momento más oportuno posible. En fin, los motivos suelen ser varios pero, de alguna forma, siempre algunos terminan en un lugar de privilegio en nuestro afecto.

Siempre salen, cada tanto en las revistas de música, números especiales con la lista de los mejores discos de todos los tiempos, en las que siempre nos encontraremos con los mismos discos y en puestos muy similares. ¿O cuántas veces vimos ya a Sgt. Pepper en el primer puesto? Es un disco maravilloso, no me malinterpreten. Pero creo que al punto que voy es que siempre vemos las mismas listas y ya hemos adquirido un conocimiento básico acerca de cuáles son los mejores discos desde una perspectiva objetiva. Es por eso que se me ocurrió que sería divertido desmitificar estas listas y pedirles a conocidos sus propias listas. Me resultaba divertida la idea de que repentinamente alguien pudiera decir algo como "voy a incluir Bodysong de Jonny Greenwood (por mencionar alguna rareza) en mi lista de favoritos". Y eso es otra de las cosas más atractivas de esto; se sabe bien que la música es algo totalmente subjetivo que muestra de alguna manera parte de nosotros mismos (Si, algo así como "Sos lo que comes"), lo que me hizo pensar en que cada lista sería una forma de decir "Éste soy yo", lo cual me resulta fascinante.

¿Por qué 10 discos? No sé. Me pareció un buen número, ya que puede abarcar una buena cantidad pero sin dejar de lado a ese factor de jugarse a la hora de incluir alguno o dejar otro afuera. A todos nos costó hacer la lista, lo cual es obvio. Y algunos entregaron la suya con 10 discos exactamente, otros simplemente no podían dejar uno afuera, por lo que decidí permitir que cada lista incluyera un "bis" para no excluir aquel por el cual tanto clamaban. (Sin embargo el estar en ese lugar deja en evidencia que el disco llegó "con lo justo" y que, en cierta forma, no corrió la misma suerte de los privilegiados de la lista original).

Por último, aclararé que las listas no tienen orden de preferencia. Todos comparten el mismo escalon de aquel podio en el que, en teoría, ningún disco debería estar por encima del otro. Seguramente que algunos se eligieron con cierta instantaneidad y otros hubo que pensarlos un poco (esos últimos lugarcitos de la lista...), pero son 10 discos y todos comparten el hecho de estar ahí sin ningún tipo de posicionamiento alguno.

Los invito entonces a disfrutar de las listas, a asombrarse, a sentirse identificados, a indignarse y todo lo que les nazca sentir en el momento.

Discos Beta Gaga: Roger Waters - Amused to Death (1992)

2011-05-11T16:52:00.000-07:00

Se sabe, para A Momentary Lapse of Reason (el primer trabajo Floyd post Waters), Gilmour tuvo que contratar a un auténtico ejército de letristas para el disco, lo cual deja bastante claras las cosas (estoy hablando siempre de la era post Barrett, claro está).

La cuestión es, Waters se corta y graba una sucesión de discos geniales que nunca recibieron el reconocimiento merecido. Lo cual me lleva al trabajo que quiero destacar, Amused to Death: un disco conceptual que comprende una crítica aguda a la sociedad, pasando desde el consumismo ("¿No lo ves?, todo tiene perfecto sentido; expresado en centavos y dólares claro"), religión ("judío, musulmán, cristiano... denles cuerda y lo arruinarán todo") y guerra (el trauma eterno de Roger). Todo a través de una transmisión televisiva que incluye invitados de lujo como Don Henley y Rita Coolidge, pero sobre todo el genial Jeff Beck (de excelente aporte en todo el disco) cuya unión con Waters conformó una dupla no sólo de ensueño, sino que tremendamente explosiva. Uno de mis discos favoritos.

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(pass: fender)

The Boys Are Back in Town

2011-05-10T20:14:00.000-07:00

El trío de los hipsters cuarentones (más ácidos e insolentes que nunca) se reinventa una vez más para conseguir uno de sus mejores trabajos a la fecha.

Los Beastie Boys se hicieron grandes de mocosos, y nunca pudieron escapar de esa imagen. Tampoco creo que lo harían alguna vez. Pero esta vez les recuerdo, "los mocosos" estan en sus 40 y pico. Y más allá de que sus vidas hayan bajado decibeles desde sus torres de marfil, esta vez parece que decidieron bajar a dar un paseo por el Lower East Side y, si uno se basa en los ambientes crudos y oscuros de las canciones, creo que no lo encontraron como lo recordaban.

Sus orígenes como banda punk les dejaron marcados a fuego los genes que siempre los han hecho agresivos y agiteros, pero acá pasó algo más. Hot Sauce Committee Part Two tiene un magnetismo misterioso, nocturno, hipnótico y ruidoso que, creanme, es letal.

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De Suecia con Amor

2011-05-01T21:19:00.000-07:00

Hace rato que la sueca Li Lykke Timotej Zachrisson es sensación: el under la adora, el mainstream no para de tirarle flores. Y fácilmente se entiende el por qué.

Basta con comenzar con Youth Novels, su gran debut, un tratado de una variación sorprendente, con delicadas piezas indie pop que oscilan desde las baladas de grupos femeninos de los '60, explorando también synth-pop ó soul en piezas minimalistas capaces de crecer hasta dimensiones Spectorianas. Todo esto comandado por la voz agridulce de Lykke Li y la instrumentalización añeja y artesanal característica de un grandioso Björn Yttling (que ya demostró sus dotes como producción en los propios Peter Bjorn & John y los Shout Out Louds), quién además aparece en la coautoría de la mayoría de las canciones.

Su segundo trabajo, Wounded Rhymes, la muestra más introspectiva, con piezas más ambientales y enigmaticas. Lykke Li viajó a Los Angeles para la grabación, y cuenta que se la pasó viendo La Montaña Sagrada de Jodorowski y buscando a David Lynch y Leonard Cohen (sin suerte). La instrumentalización vuelve a estar a cargo de Yttling, (quién vuelve a ser co-autor en las canciones), por lo que volvemos a encontrar esa riqueza en la variación. El ambiente oscuro, los arreglos tribales y la voz etérea de Lykke me hace pensar en una suerte de Fever Ray más convencional.

Quiero advertir también que a pesar de la enorme variación tanto en género como en instrumentos, los dos discos mantienen una idea central, un concepto. Lykke hace un indie-pop extraño, fiel a su extravagancia; ella misma confiesó en varias oportunidades ser 'un bicho raro', y nadie se lo podría negar. Pero mantiene un magnetismo misterioso e irresistible, difícil de explicar. Por lo que les dejo sus geniales trabajos para que lo averiguen por su cuenta...

Youth Novels (2008)

Wounded Rhymes (2011)

El Nuevo Revival

2011-04-27T20:20:00.000-07:00

¡Espíritus shoegazers del mundo, uníos! The Pains of Being Pure at Heart y Yuck marcan el revival de los ’90 como el camino a seguir.

Con unas pocas excepciones, la mayoría de las bandas actuales se dedica a revisar valijas viejas en busca de fórmulas exitosas. Algunas de estas logran llamar la atención y otras quedan (¿mueren?) en el olvido. De todos modos, hay un grupo que quiero rescatar, que se encomendó la tarea de traer de nuevo al indie de los ’90 (finales de los ’80 incluidos).

Bandas de aquella época como My Bloody Valentine, Pixies, Dinosaur Jr., Pavement y Yo La Tengo (por nombrar a las más representativas) cayeron derecho al rótulo de culto. Pero hoy, se sabe, el indie manda, por lo que vuelvo entonces a este grupo que levantó el estandarte de sus héroes de los ’90 y se dedicó a traernos de nuevo aquel sonido, comandado por The Pains of Being Pure at Heart y, los más nuevitos, Yuck (Reino Unido), teniendo los primeros a My Bloody Valentine y los últimos a Dinosaur Jr. como influencias principales en sus trabajos.

Esta ironía de que los estadounidenses se inspiren en una banda del Reino Unido y que los ingleses en otra de Estados Unidos refuerza la vieja tradición de intercambio de inspiraciones entre estas dos regiones que se remonta a los mismísimos inicios del Rock & Roll.

En fin, sólo queda esperar para ver si estas dos bandas que estan despertando entusiasmo por todos lados implicarán o no un nuevo movimiento definitivo, el próximo camino a seguir; el revival de los ’90. Mientras tanto, los invito a disfrutar de sus trabajos:

The Pains of Being Pure at Heart

The Pains of Being Pure at Heart (2009)

Belong (2011)

Yuck

Yuck (2011)

J Mascis: "Several Shades of Why"

2011-04-27T00:36:00.000-07:00

Ni me voy a gastar hablando de cuánto hizo Dinosaur Jr. por la música, sólo quiero decir cuánto me impactó este disco en el que, de repente, J Mascis desenchufa las guitarras, baja las perillas de volumen, y graba 10 canciones despojadas, sentidas y totalmente devastadoras. Several Shades of Why incluye también algunos invitados de lujo como Kurt Vile, Ben Bridwell (Band of Horses), Kevin Drew (Broken Social Scene) y Sophie Trudeau (Godspeed You! Black Emperor), entre otros. Ya está entre los mis favoritos del año.

http://dl.ceolte.com/download.php?file=51092-50942

Criaturas de la Noche

2011-03-27T16:53:00.000-07:00

Alison Mosshart y Jamie Hince afilan los dientes para mostrarlos nuevamente en su cuarto trabajo de estudio, cuya grabación se inició en el 2009 pero la aventura de Alison con Jack White y amigos en la superbanda The Dead Weather hizo que la espera se alargara hasta el año presente.

Así llega Blood Pressures que, si trazamos una línea comparativa con sus trabajos anteriores, podemos decir que sigue la línea de Midnight Boom pero se aferra más a la oscuridad sugerente de sus discos anteriores.

Al igual que los tres discos anteriores, Blood Pressures es un disco muy consistente, con muchos puntos altos y nada de descarte. De tener que hacer referencia a algunos de los momentos más emblematicos del disco, me inclino por dos en particular: el primero se trata del mismísimo opener del disco; Future Starts Slow, un clásico instantáneo que define el estilo de todo el disco. Y por último, Wild Charms: una balada agridulce de Jamie que extrañamente recuerda a Tears of Rage de The Band.

Es cierto que nos volveremos a encontrar con el sonido familiar de los poderosos beats de máquinas, los riffs quebrados de la guitarra de Jamie (que hace gala del legado que tan bien aprendió de las guitarras de The Stooges) y la voz de la vampírica Alison. Pero las canciones suenan cada vez más provocativas, como un guiño que percibimos en algún rincón oscuro, que invita a abrazar la noche para, citando a Eels, salir una vez más a aullarle a la luna y buscar sangre fresca.

http://www.multiupload.com/9FADB0TREC

Strokes for ever

2011-03-16T16:46:00.000-07:00

Todos conocemos a The Strokes. Y digo TODOS. Por lo que de más está escribir algo acerca de ellos. Vamos, en cambio, a adentrarnos en la situación en la que llegaba el tan esperado regreso.
En fin, sabemos que es una banda que llegaba golpeada (Albert recién salido de reabilitación, los egos sensibles luego de hacer cada uno la suya durante 5 años...) y esto se nota en momentos como Life is Simple in the Moonlight o Call Me Back.
Pero una vez más aparece el rock como la llama salvadora cacheteando a 5 muchachos que reaccionan y recuerdan que crecieron juntos y son los mejores amigos que tienen. (Escuchen sino el empuje optimista de Two Kinds of Happines). No voy a caer en el juego de dividir el álbum en 2 partes, porque me parece una atrocidad hacer semejante cosa.
El sonido de Angles está marcado por una sorprendente acentuación en la producción (teclados incluidos) que ya había asomado en su disco anterior First Impressios... y, acá viene lo que más sorprende, una fuerte inclinación por los '80 (Machu Picchu, Games), secuela evidente de Phrazes for the Young de Casablancas.
También encontraremos, por supuesto, a los Strokes de siempre (Under Cover of Darkness, Taken for a Fool y la Thin Lizzynesca Gratisfaction).
Angels es fresco, interesante, un barullo vivificante y emotivo, es el sonido de la reconciliación, del reencuentro, de la colaboración colectiva, de un abrazo que tardó 5 años en aparecer.

Strokes for ever.

Descargar: http://www.megaupload.com/?d=DB7M82IO

Total Interferencia

2011-02-18T18:49:00.000-08:00

Peter Bjorn & John: "Seaside Rock"
(2008)

Seaside Rock es una auténtica joya oculta, uno de esos discos que pocos (por no decir nadie) tienen en cuenta. En su cuarto trabajo de estudio, los Peter Bjorn & John dan rienda suelta a su veta experimental y logran una suerte de pastiche realizado de la misma manera en la que un pintor comienza su obra a partir de un punto o una línea: encontraremos una melodía a la que el trio le añadirá, mediante un ágil cut and paste, sonidos externos, desde algo simple como una puerta que se cierra hasta lo grandilocuente como el impacto de las olas, escucharemos también los relatos de diferentes voces que dotan a las canciones con una estética única y particular (tal como aquella voz añeja en Erik's Fishing Trip). Estos factores, sumados a la variación en la instrumentalización, dan forma a un viaje impreciso, un lapso realmente díficil de definir; una interferencia dentro de nuestra cotidianeidad.

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Los Discos del 2010

2010-12-06T15:51:00.000-08:00

Y si, ya es hora de ir bajando las persianas del 2010 y repetir el ritual de la selección de lo mejor del año. Acá va entonces la lista de Alpha Beta Gaga con los discos que más he disfrutado. Aclaro antes de que se genere cualquier tipo de polémica: he sido, a la hora de confeccionar esta lista, lo menos objetivo que podría ser. Esto es pura subjetividad, puro gusto personal.

Beach House: "Teen Dream"

El duo de Baltimore construye su propia Pared de Sonido en base a una cajita de ritmos, dos o tres arreglos de guitarra, tecladitos vintage y la increíble Victoria Legrand, que cuando canta parece tener algún hechizo en su voz. Fragilidad y sentimentalismo encontrados en un disco perfecto.

Deerhunter: "Halcyon Digest"

Variedad sónica de paisajes en ese mundo hermoso que Bradford Cox parece haber construido para sí mismo y no salir nunca. Halcyon Digest no es solo revivalismo, sino que se permite a su vez construir sobre esos cimientos para alcanzar horizontes nuevos. Frescos y originales, Deerhunter parecen ir cambiando disco a disco, y no han fallado en ninguno.

Arcade Fire: "The Suburbs"

Uno creería que tanta exhuberancia termina por empacharlo, pero en The Suburbs alcanza picos realmente conmovedores. Una obra conceptual que roza todos los rincones de nuestra memoria, desde nuestra infancia hasta el momento en el que nos damos cuenta como el tiempo se nos pasó de largo. Otro gran triunfo del híbrido canadiense-texano.

The Black Keys: "Brothers"

Podemos decir tranquilamente que el dúo Auerbach-Carney mantiene con vida, (junto a Jack White), a la vieja llama del blues. Y en esta ocasión nos presentan una propuesta ambiciosa, que consiste en un mash up de Blues, Soul y los beats de Danger Mouse, (que ya son marca registrada), para obtener como resultado su mejor disco hasta la fecha. Una verdadera bomba.

Avi Buffalo: "Avi Buffalo"

El premio a la gran revelación del 2010 se lo lleva la banda de Avi Zahner-Isenberg (de ¡19! años), que tiene esa voz chillona que suena a una mezcla de Neil Young y Daniel Johnston y la musicalización tiene reminiscencias a la ola californiana, aunque en este caso esten más cerca de un Dream Pop que de She & Him. 10 canciones frescas, frágiles y melancólicas, de una artesanalidad que da gusto. Gran promesa de cara al futuro.

The National: "High Violet"

A estas alturas podríamos decir que The National son las Drama Queens del indie. Pero en medio de la tragedia, las heridas y el dolor de las 11 canciones de High Violet nos encontraremos con un disco ambicioso, sin puntos flojos y totalmente efectivo para los sensibles oídos de los oyentes indie. A llorar a la iglesia.

Spoon: "Transference"

A diferencia de Ga Ga Ga Ga Ga, Transference suena más crudo y visceral, con menos capas de estudio. Los comandados por Britt Daniel emplean esta vez en cada canción arreglos medidos y hasta casi métricos, lo cual le da a esa crudeza del disco un aura de elegancia. Transference es otro gran trabajo y esto no llama para nada la atención: Spoon lleva más de dos décadas dándose el lujo de hacer discos sólidos y arriesgados al mismo tiempo, defendiendo la vena art punk que alguna vez supo predicar Television.

Adam Green: "Minor Love"

Acá nos encontraremos con el disco más solido del ex Moldy Peaches, quien deja un poco de lado la irreverencia minimalista de sus discos anteriores para ponerle a Minor Love mayor variedad en los arreglos y en la instrumentalización. Adam Green aparece como un intérprete de marcadas tendencias de los '70 (homenaje a Leonard Cohen incluido) en lo musical y mantiene sus bizarras tendencias en la lírica. Un disco fácil, agradable y divertido de escuchar. Imperdible.

The Morning Benders: "Big Echo"

Chris Chu tuvo la retorcida obsesión de encerrarse por meses escuchando los mismos artistas. Pero la pegó: se encerró con Bob Dylan, Neil Young, Brian Wilson y Phil Spector. Y esta influencia (o adoctrinamiento si se quiere) se nota en su buen gusto a la hora de componer canciones: el segundo trabajo de los de Brooklyn nos entrega 10 canciones melodiosas con gestos experimentales y la marca obvia del pop los '60 en cada una de ellas.

Holy Fuck: "Latin"

Desde su debut en el 2005, Holy Fuck nos ofrece una electronica alternativa que no sigue los patrones de lo que es convencional en el género. Apuntan en base a una formación tipo Soulwax (Batería, Bajo y ejército de máquinas) a la improvisación, tanto en el estudio como en vivo. Y el resultado es una viaje intenso, sobrecargado de potencia y paisajes repletos de adrenalina y lisergia. Parece que ha llegado la Electrónica Progresiva. Bienvenida sea.

Twin Sister: "Color your Life"

5 chicos newyorkinos se juntan y graban un disco de un Dream Pop experimental totalmente exquisito, con una musicalización de ensueño comandada por la irresistible voz de Andrea Estella, (que recuerda de a momentos a Cat Power), quién se apoya en una banda impecable. Color your Life es hipnótico, hermoso y también fugaz, como lo son todos los sueños.

The Tallest Man on Earth: "The Wild Hunt"

Finalizadas las polémicas por la voz de Kristian Matsson, ¿Qué nos queda? Ni más ni menos que un disco que salvó al Folk, lleno de joyas atemporales como You're Going Back o Burden of Tomorrow. Un disco crudo, polvoriento y conmovedor.

Broken Bells: "Broken Bells"

El científico loco de la nueva era musical Danger Mouse invitó a su laboratorio al reconocido artesano indie James Mercer para crear 10 canciones que le dan una enorme cachetada a muchas bandas y les indica el camino a seguir para hacer Indie Pop como es debido. Un album entretenido, repleto de arreglos irresistibles y el hechizo de la voz de Mercer. La alianza ha triunfado.

MGMT: "Congratulations"

El dúo Van Wyngarden-Goldwasser se aleja de la fama del tan aclamado Oracular Spectacular para hacer su propia opera prima de la psicodelia de los '60 que tanto admiran. 9 canciones que fluctúan y mutan dentro de si mismas, dando forma a una especie de tour por las retorcidas y bizarras mentes de los muchachos de Brooklyn.

Dum Dum Girls: "I Will Be"

4 californianas se juntan en el garage, suben el volumen a los amplificadores y la rockean. Así de simple. El flamante contrato con un sello grande no les movió ni un pelo, y lo demuestran defendiendo el viejo espíritu del punk rock garagero lo-fi bien sucio en cada una de las 11 canciones de I Will Be. Una delicia.

Miami Horror: "Ilumination"

Hace rato que Australia ha ganado prestigio como la escuela de donde salen las mejores bandas electropop. Y de la misma ola en la que surgieron Empire of the Sun, The Presets, Midnight Juggernauts y Cut Copy, aparece Miami Horror. Luego de algunos singles y EPs que venían haciendo ruido desde el 2008, aparecen con Ilumination; su primer trabajo de estudio, que resulta ser una auténtica obra maestra del género.

Darwin Deez: "Darwin Deez"

Un disco inocentón que se la pasa entre los interminables lamentos y enamoramientos propios de la adolescencia. Parándose musicalmente en algún lugar entre Phoenix y The Strokes, Darwin Smith se muestra juguetón y original, con una puesta minimalista minuciosa en sus detalles. El resultado? Un album divertido y pegajoso, con pasta radial. A no perderselo.

Harlem: "Hippies"

Estos muchachos vendrían a ser la versión masculina de Dum Dum Girls: siguen la misma premisa garagera lo-fi en un disco que, entre nada menos que ¡16! canciones, no da ni un solo respiro. Se agradece el barullo.

Air en Argentina (09/10/10)

2010-10-15T15:55:00.000-07:00

Siempre tuve la sensación de que Air pertenecía a esa hueste de bandas que parecen tan inalcanzables que uno termina limitándose a soñar con esa noche, asistiendo a uno de sus recitales.

Es que el dúo francés, ya consagrado a nivel global, no alimentaba nuestras esperanzas con una visita. Parecía que el anhelo iba a terminar fosilizandose junto a muchos otros de bandas que nunca vinieron o que parece casi imposible que lo hagan. Pero no fue así. El 9 de Octubre se rompió la maldición, la ilusión pasaba a ser realidad: Air se presentaba por primera vez en nuestro país.

Y el momento no podía ser más propicio: la banda llegaba a Sudamérica para presentar el genial Love 2, uno de los mejores discos en la respetadísima trayectoria de algo más de 12 años de los genios Nicolas Godin y Jean-Benoít Dunckel.

El festival con todos sus mensajes bien intencionados, quedaba lamentablamente atrás, opacado por la tan esperada primera visita y Air no sólo estuvo a la altura, sino que estuvo varios escalones por encima: los muchachos presentaron una puesta minimalista que se expandía hacia dimensiones espaciales; eran sólo 3 (contando al baterista de ocasión), pero nos dejaron pasmados a todos, mediante un viaje de hora y media de las elegantes suites devenidas esta vez en zapadas con reminiscencias al Pink Floyd de Echoes, con proyecciones lisérgicas incluidas.

El dúo apenas se movia o intercambiaba palabras con el público, pero bastaba con un sólo acorde para llevarnos bien arriba en lo que, sabíamos, era un viaje de ida.

El repertorio fue tan generoso como efectivo: tocaron muchas de las canciones de Love 2 (Do the Joy, Missing the Light of the Day), acompañadas por los hits de siempre (Sexy Boy, Venus) y gratas sorpresas (la sublime interpretación de People in the City). Hasta llegar al cierre con la bomba definitiva: La Femme d'Argent, que funcionó como el toque de gracia para sellar uno de los mejores recitales que me tocó ver en mi vida.

Así empezaba...

Setlist
1.Do The Joy
2.Love
3.Remember
4.Venus
5.J'ai dormi sous l'eau
6.Missing the light of the day
7.Tropical Disease
8.People In The City
9.Don't Be Light
10.Radian
11.Cherry Blossom Girl
12.Be A Bee
13.Talisman
14.How Does It Make You Feel?
15.Alpha Beta Gaga
16.Kelly Watch The Stars
17.Heaven's Light
18.Sexy Boy
19.La Femme d'Argent

Regina Spektor en Argentina (07/10/10)

2010-10-15T10:53:00.000-07:00

Hace tiempo ya que Regina dejó de ser una promesa para consagrarse en el cancionero popular, a pesar de que su estilo resulte atípico para los estándares de la música popular: ya todos sabemos bien de su abrumadora habilidad a la hora de componer y hacer música, (su talento en el piano, su increíble voz y su fascinante dominio del lenguaje a la hora de cantar, jugando con las sílabas y cambios de tonos dentro de una misma palabra!). Entonces ya era hora de verla en vivo, presentandosé así las fechas del 6 y 7 de Octubre como la oportunidad perfecta.

Así es como estuve el 7 en el Gran Rex para poder verla. La convocatoria era sorprendente: como las entradas para la función del 7 se habían agotado desde la preventa, se agregó una fecha adicional para el 6.

El show fue tremendamente efectivo: Regina en el piano, comandando una banda de formación atípica (Violinista, Cellista, Baterista/percusionista y eso es todo amigos), moldeó 90 minutos que bastaron para hacer pasar a los espectadores a su universo, único y hermoso en partes iguales: lleno de historias estrambóticas (Billeteras perdidas, la radio que repite November Rain, himnos bailables de los 80) y momentos conmovedores (Carbon Monoxide, Laughing With, Samson entre otros), todo esto musicalizado impecablemente.

Más allá de los hits, el momento de mayor intensidad llegó con el demoledor dúo Bobbing for Apples - That Time , que Regina interpretó a solas con su guitarra, soltando frases como un trovador neoyorquino en clave Post Punk lo-fi, jugando a repitir y estirar las palabras, exagerando acentos e incluso haciendo sonidos que acompañaran a la letra.

En fin, un show simple que nos permitió tomar dimensión de la inmensidad del universo musical de Regina Spektor, la mujer que desafía los formatos tradicionales, los desarma y rearma a gusto. Que vuelva...

Setlist
1. Folding Chair
2. Eet
3. Blue Lips
4. Sailor Song
5. Machine
6. Laughing With
7. One More Time With Feeling
8. Better
9. On The Radio
10. Two Birds
11. Dancing Anthem Of The 80's
12. Bobbing For Apples
13. That Time
14. Aprés Moi
15. Human Of The Year
16. Summer In The City
17. Poor Little Rich Boy
18. Man Of Thousand Faces
19. Samson
20. Us
21. Fidelity

Peter Bjorn & John: "Writer's Block"

2010-09-21T01:11:00.000-07:00

Peter Morén (Voz, Guitarras y Harmónica) y Bjorn Yttling (Bajo, Teclado, Piano y Coros), fascinados con bandas como los Stone Roses o Ride, comienzan a tocar juntos en sus épocas de escuela secundaria hasta que se mudan a Estocolmo y deciden, en 1999, formar una banda sumando luego a John Eriksson (Batería, Caja de Ritmos, Percusiones y Coros). La idea principal era algo tipo Belle and Sebastian: hacer música por diversión y sin intención de conseguir popularidad. Esas bajas expectativas les ayudarían mucho en su primera gira, que sería un gran fracaso.

La historia comienza a cambiar muy de a poquito: graban su primer disco (“Peter Bjorn and John”) en el año 2002 y, con la ayuda de tracks como “Falling and Passing” o “I don’t know what I want us to do”, se ganan un par de buenas críticas en los medios. Allí comienzan a ganar un poco más de aceptación, cosa que continuaría con su segundo disco (“Falling Out”) en el año 2004.

De todos modos, hasta allí no dejaba de ser una carrera discreta para el trio. Pero así llegaría en el 2006 el disco que nos trae hasta acá, “Writer’s Block”; una colección de 11 canciones tan adorables como pegajosas.

El disco suena mucho a viejo, gastado, a polvoriento. Todo esto con ayuda de una instrumentalización muy retro (Armonías vocales de antaño más guitarras, teclados y percusiones vintage). Pero, debajo de esa capa añeja, aparece un disco totalmente vanguardista. Podríamos decir que es un gran precursor de esa actualización de aquel viejo Pop tirando a psicodélico que siguieron bandas como sus vecinos Shout Out Louds, los Broken Bells (en una versión más hi-fi), e incluso MGMT (Escuchar “The Chills”).

¿Alguna canción favorita? Se complica. Desde la adorablemente apagada “Amsterdam” hasta “Start to Melt” (que, haciéndole honor a su nombre, es una suite melancólica que aparenta ir desarmándose poco a poco) tenemos 11 canciones geniales para escuchar una y otra vez.

Reseña escrita para la revista Destiempos Modernos

Sleigh Bells: "Treats"

2010-09-09T08:03:00.000-07:00

Últimamente se está repitiendo bastante este fenómeno de los dúos chico-chica y viene dando buenos frutos. En fin, Sleigh Bells es uno de estos grupos, solo que no esperen la ternura de She & Him, la sensibilidad de Beach House o la sutileza de los sobrevalorados The XX…

Sleigh Bells es el proyecto de Derek Miller (compositor, guitarrista y productor) y Alexis Krauss (voces), quienes se conocieron en el 2008 con Brooklyn como sede. La historia es que Miller buscaba una vocalista femenina para su nuevo proyecto y no fue otra sino la madre (¡!) de Krauss quién postuló a su hija. Derek venía de participar en bandas Post-Hard core, mientras que Krauss deambulaba por inocentonas bandas Teen.

El estilo de la banda es el resultado directo de esta mezcla incoherente: pop plástico, big beat y guitarras Hard-core. Se hace difícil de buscar razones, pero esto funciona. El monstruo cobra vida señores. Si la mezcla les suena loca esperen a escuchar el disco, que es una especie de unión rave y gélida de Crystal Castles y M.I.A.

Treats suena mucho a un grupo de porristas totalmente enfurecidas, que llevan adelante diversidad de llamados a las armas, al son de insistentes y furiosos “You gotta march!” (Riot Rhythm). El álbum va rozando extremos opuestos: “Kids” pertenece a ese Hip hop reversionado que tantos dividendos le ha dado a M.I.A., mientras que “Rill Rill” suena como a una pieza Teen Pop bañada en ácido.

El debut de los chicos de Brooklyn no te va a volar la cabeza; probablemente te la taladre, ya que el disco arranca con esa pretensión, y tienen el poderío y la personalidad suficientes como para llevar ese plan adelante. Recomiendo “Treats”, la canción del mismo nombre del álbum, una pieza tremendamente poderosa y retorcida a la vez.

Treats fue lanzado el 11 de Mayo del 2010 y recibió buenas críticas de la prensa: 5 estrellas de Slant Magazine, 4 de Allmusic y 3 y media de la Rolling Stone.

Arcade Fire: "The Suburbs"

2010-08-27T08:42:00.000-07:00

Acá están, así se ven y así suenan los suburbios. Al menos los que revive el colectivo canadiense de chofer texano. Al fin la espera terminó y tenemos a disposición de nuestros oídos el último trabajo de Arcade fire.

Que son una banda excepcional, de lo mejor que tenemos hoy en día, no es nada nuevo. Todo eso ya se ha dicho, Incluso nunca hubo necesidad de decirlo. La música de Arcade Fire no sabe de descripciones o críticas; son discos que se entienden solamente cuando se escuchan, sin mediadores entre las canciones y el oyente. Pero bueno, algo hay que escribir.

Lo cierto es que The Suburbs es distinto a sus antecesores. Había cierta incertidumbre previa, ya que mucha gente no estaba hablando bien del tercer trabajo de AF ni bien aparecieron las primeras fuentes de descarga en la red. Pero (sepan disculpar el lenguaje que emplearé a continuación) es al pedo. Una vez que pones el disco pensás “mierda, estos tipos lo tienen”. No sabes bien cuál es la palabra para describirlo, pero lo tienen.

Es que los muchachos de Montreal-Quebec y Texas parecen tener la fórmula de la canción perfecta y en este lapso de aproximadamente 7 años y 3 discos no han tenido ni un solo desliz.

Pasando al último disco, The Suburbs alcanza picos emocionales altísimos; un arte que Arcade Fire domina a la perfección desde Funeral. Win Butler y sus muchachos toman melodías simples ("Modern Man" por ejemplo) y moldean momentos tan cautivantes como conmovedores. Están también esas canciones épicas, marca registrada de la banda: “Empty Room” es del estilo “No Cars Go” pero con un tempo más acelerado, haciendo de esta pieza una bomba adrenalínica que no pierde ni por un segundo su sutileza. “Rococo” es probablemente lo más parecido a sus trabajos anteriores y tiene una letra realmente diertida que critica con gran precisión a la juventud “moderna” (los chicos modernos que usan palabras grandes que no entienden). En general, toda la lírica del álbum es fascinante: los relatos de Butler nos muestran el paisaje de su juventud (“City With no Children”, “Suburban War”) y otros son melancolía pura (“Half Light I”).

En lo musical, nos encontraremos con el mismo ensamble barroco de siempre, pero invadido esta vez por un inusual protagonismo de las guitarras y sintetizadores, que tiñen el disco de un aura ochentosa. (Los arpegios rickenbackerianos de “Suburban War” remiten directamente a R.E.M., el western indie “Half Light II (No Celebration)” está fuertemente dominado por sintetizadores New Wave). Win Butler dijo que quería que el disco sonara a “una mezcla entre Depeche Mode y Neil Young”.

En fin, si ya te mataron con las primeras 8 canciones, la cosa no termina ahí: acordate que todavía The Suburbs tiene otra mitad para que escuches! El disco cuenta con ni más ni menos que 16 canciones, en una época en la que el álbum promedio no pasa de las 9-10 canciones. Si que saben de generosidad los chicos de Arcade Fire…

Esto es Arcade Fire gente, la mejor banda que llegó con el nuevo milenio y ya se acomodó entre las mejores de la historia. Música atemporal pura. Y más aún, es muy reconfortante pensar que todavía tienen para mucho más.

The Suburbs fue lanzado el 2 de Agosto del 2010 bajo el Sello Merge Records y ya le llueven flores de todos lados: 4 estrellas de la Rolling Stone, 4 y media de Spin y Slant Magazine, y sigue así…

Gracias a Franco por los diálogos que me dieron una gran mano en esta reseña.

Little Joy: "Little Joy"

2010-02-15T13:39:00.000-08:00

Como ya hemos visto, el parate de The Strokes no dejó a sus integrantes de brazos cruzados. Y lo sorprendente es que estos puedan hacer música fuera de la banda y que suene tan diferente a la misma. Incluso los trabajos de cada uno de ellos suena totalmente diferente al de los otros.

El primero en hacer su movida fue Albert Hammond Jr. con su excelente disco "Yours To Keep" (2006) cuyo éxito le dio lugar a su sucesor "¿Cómo Te Llama?", lanzado en el 2008. Nick Valensi estuvo ocupado colaborando con Devendra Banhart, Nikolai Fraiture lanzó "The Time of the Assassins" (2009) bajo su proyecto solista Nickel Eye y el frontman Julian Casablancas lanzó "Phrazes for the Young" (2009). Pero regresemos al 2008, año en el que surge "Little Joy", probablemente el mejor disco de un stroke desde "Yours To Keep" de Hammond Jr.

En fin, pocos vieron venir a Fab Moretti, acostumbrado a sentarse atras de todos y a tocar su batería calladito, aparecer con un proyecto tan bueno como exitoso. Se trata de Little Joy, conformada por el ya mencionado Moretti, el frontman de la banda brasileña Los Hermanos Rodrigo Amarante y la multi-instrumentalista (y también pareja de Moretti) Bikini Shapiro. El proyecto tiene su origen en las giras en las que Moretti y Amarante coincidieron y dijeron que debían hacer algo juntos.

El sonido de la banda es un Indie-rock/pop/folk (!) lo fi con los cálidos sonidos caribeños tan característicos en Devendra Banhart. También podremos encontrar ciertas similitudes con Beach House.

El papel de cada miembro de la banda va variando con cada canción; Fab Moretti toca Guitarras, Piano, Bajos, Percusiones y Coros. Rodrigo Amarante es la voz principal en la mayoría de las canciones y toca Guitarras, Percusiones, Bajos, Ukelele y Teclados. Bikini Shapiro es voz principal en "Unattainable" y "Don't watch me dancing" y toca diversas percusiones, Guitarras, Piano y Teclados.

Las 11 canciones del disco son geniales al nivel de que ninguna aparece como superior a la otra. Cada una de ellas es igual de agradable e inmediata.

"Little Joy" fué lanzado el 4 de Noviembre del 2008 bajo el sello Rough Trade y tuvo una gran recepción por parte de la prensa, incluyendo 4 estrellas por parte de Allmusic y Rolling Stone Magazine.

Little Dragon: "Machine Dreams"

2010-02-12T15:45:00.000-08:00

Entrada en reparación.

Loomer

Beach House: "Ten Dream"

2010-02-02T08:05:00.000-08:00

Beach House es un duo americano de Dream Pop formado en el año 2004 con Baltimore como su ciudad natal. Sus integrantes son Victoria Legrand y Alex Scally.

La música de Beach House no encarna ninguna clase de misterio o complejidad y Victoria y Alex lo saben. Pero lo aprovechan; hacen uso de aquella simpleza de tal manera que pueden llegar a conmover al oyente. Es que la música de este duo californiano impacta de entrada, con sus cancioncitas melodiosas y muy, pero muy melancólicas. El sonido consiste en un dream pop lo-fi con teclados y guitarras que forman sonidos de los 60\70, incluso las panderetas! Imposible no pensar en aquellas épocas.

El disco debut de Beach House titulado igual que la banda aparece en el 2006 sin pena y sin gloria. Hasta su segundo disco, que aparece en el 2008; “Devotion” introdujo a una banda que no hacia canciones estructuradas o muy arregladas, pero tampoco se dejaba tentar por un minimalismo total. Entonces, las canciones aparecían como un punto medio entre estos dos polos. Las evidencias son obvias: cajitas de ritmos por un lado y los colchones de los arreglos de guitarras, teclado y voces por el otro.

El tercer disco de la banda,Teen Dream es otra colección de variaciones del mismo concepto mostrado en Devotion. Pero no se dejen engañar por las impresiones, por que con esta banda no funciona. Tal como dijimos que detrás de ese manto de simpleza de las canciones de Beach House aparece un sonido que nos da justo en la llaga, el nuevo trabajo de la banda resulta tan efectivo como el anterior.

Ten Dream fue lanzado el 25 de Enero del 2010 bajo el sello Sub Pop y ya ha recibido grandes críticas por parte de la prensa, incluyendo 4 estrellas y media por parte de Allmusic, 4 estrellas de Spin y 3 estrellas y media de la Rolling Stone Magazine.

Bat for Lashes: "Two Suns"

2010-02-02T07:45:00.000-08:00

El sonido de Two Suns es tan experimental como el de Fur and Gold, o más aún. Esta vez, Natasha Khan aparece con un alter ego llamado “Pearl” y una colección de canciones de otro planeta. “Glass” prepara el ambiente sobre el cual girarán las siguientes canciones. La primera impresión es algo oscura, misteriosa y atrapante. Lo que sigue continúa con el viaje al que se nos ha invitado. Algunas canciones incluso son aptas para las pistas de baile como “Daniel”, primer corte del disco y éxito total en los charts del Reino Unido o “Pearl’s Dream”, cuyo coro suena bastante a los Klaxons.

The Swell Season: "Strict Joy"

2010-01-25T06:08:00.000-08:00

The Swell Season es un duo que surge en el año 2005, conformado por Glen Hansard (Irlanda) y Markéta Irglová (Republica Checa). Quizás alguno de ustedes haya tenido la oportunidad de haber visto la tierna historia de la banda en la premiada película "Once". De no ser así, se trata basicamente de un músico callejero (Hansard) y una vendedora de flores (Irglová) que estan en la lona y se juntan para hacer música. Juntan unas monedas para grabar un demo y la pegan. "Fin".

Strict Joy aparece como su disco más logrado hasta el momento. Basado en un indie folk-pop super melódico y meloso capaz de ablandar a cualquiera. Es cierto, de a momentos se pasa de cursi, pero hay canciones que son verdaderas joyas. Basta con escuchar "The Rain", "Fantasy Man" o "High Horses" para entender de que estoy hablando.

Otro detalle es que los Swell Season demuestran ser verdaderos artesanos a la hora de los arreglos; cuerdas, vientos, voces, percusiones. Todos elaborados minuciosamente y ensamblados a la perfección.

Charlotte Gainsbourg: "IRM"

2010-01-24T06:50:00.000-08:00

Esta entrada se trata de nadie más y nadie menos que Charlotte Gainsbourg, hija de dos glorias de los 70': Serge Gainsbourg y Jane Birkin. Nacida el 21 de Julio de 1971 Charlotte es, al igual que sus padres, actriz y cantante. Y al parecer, ambas cosas le salen bastante bien.

La incursión en la música de la anglo-francesa (Recordemos que Charlotte nació en Londres y fue criada en Paris) cuenta con 3 discos. El primero "Charlotte for Ever" (Originalmente titulado "Lemon Incest") fue a dueto con su padre (Charlotte tenía sólo 15 años). El segundo, ya con una Charlotte mas crecida, "5:55" contó con la participación de un reparto estelar: Nigel Godrich en la producción, Air en la composición musical e invitados como Jarvis Cocker y Neil Hannon.

Esta vez la posta la toma uno de nuestros favoritos: Beck, quién se puso a cargo de la producción del disco y la mayoría de la composición musical. IRM es entonces, un disco muy Beck pero con la hipnótica voz de Charlotte Gainsbourg. La combinación es muy buena; los beats psico-retro, los arreglos de cuerdas y voces de Beck más la voz de Gainsbourg, que sigue el prototipo de cantante francesa: voz suave y aterciopelada, tremendamente efectiva a pesar de que nunca parece exigirse o destacarse. El resultado es una especie de Modern Guilt con perfume francés.

IRM fué lanzado el 7 de Diciembre del 2009 bajo el sello Because Music, aunque Estados Unidos espera su lanzamiento entre Enero y Febrero de este año. Las críticas? Prácticamente inexistentes (fruto de no ser habitué del mainstream). Nosotros hacemos caso omiso y nos dejamos endulzar por IRM una vez más.

Acá, el video de la beatlesca "Heaven Can Wait" junto a Beck.

Spoon: "Transference"

2010-01-20T17:22:00.000-08:00

Podemos decir que Spoon son "viejos conocidos de la casa". Fueron la primera entrada de Alpha Beta Gaga dos años atrás. Por lo que les guardamos un cariño especial. Todo empezó con "Ga Ga Ga Ga Ga", aquel gran disco del 2008.

En fin, cortando un poco con la nostalgia, los muchachos están de nuevo en el pueblo. Esta vez para presentar Transference, su séptimo trabajo de estudio que presenta algunas diferencias de su antecesor y más similitudes con sus trabajos anteriores como "Gimme Fiction".

Esta vez, puede que no nos encontremos con hits inmediatos (a excepción, quizás, de "Out go the Lights"), pero si con un disco que no baja el nivel en ninguna de las 11 canciones. Desde la genial "Before Destruction" (cuya música le hace honor al título, ya que suena algo lúgubre) hasta la bizarra "Nobody Gets me but You", (que suena un poco a "I Turn my Camera on").

Eels: "End Times"

2010-01-19T08:17:00.000-08:00

Eels es una banda de indie rock proveniente de California. A pesar de ser un trio, podemos decir que es, practicamente, Mark Oliver Everett solista (Mejor conocido como "E") ya que es él quien compone las canciones y graba los instrumentos en la comodidad de su hogar. Todo esto sin menospreciar, claro, a Kelly Logsdon y Derek Brown, los otros dos miembros de Eels.

Mark Everett nació el 10 de Abril de 1963 en Virginia, Estados Unidos. Desde pequeño desarrolló una pasión por la música mediante instrumentos de juguete (que, por cierto, sigue usando en sus discos). "E" es, además, un excelente compositor que quizás nunca tuvo el reconocimiento que realmente merece. Desde 1985 viene entregando gran material, que parece volverse cada vez mejor con el paso del tiempo. "Hombre Lobo", su anterior trabajo, es uno de los mejores discos del 2009 y le tomó a "E" 4 años hacerlo. Por lo tanto fue toda una sorpresa que apareciera de repente con un disco nuevo, apenas un par de meses mas tarde.

La voz de "E" suena de a momentos similar a la de Beck. Y curiosamente, esa no es la única similitud entre estos dos grandes músicos. End Times es el Sea Change de Mark Everett; es un disco que relata el proceso de separación de "E" de su mujer. Tal como Beck nos contara en Sea Change que todo comenzaba con aquella era dorada, para pasar luego por lágrimas y furia hasta dejar las cosas al costado del camino, es ahora Everett quien relata una historia similar en End Times; el comienzo del disco "The Begginig" nos cuenta como fue aquel beso, en una relación aún joven. Pero llegamos a "Gone Man", en donde ella ya no lo ama y es ahí en donde "E" se comienza a desarmar inmediatamente en "In my Younger Days", en el que explica que esto no lo hubiera afectado tanto cuando era joven. En la devastadora "Nowadays" Everett confiesa que prefiere encerrarse del mundo y quedarse con el recuerdo de los buenos momentos.

Pero con el paso de las canciones vamos viendo como Everett va sanando de a poco sus heridas, levanta la frente y toma una mirada optimista. (Como describe en "On my Feet" : "No me es fácil pararme sobre mis pies estos dias, pero estoy seguro de que he estado peor y seguramente podré aguantar el golpe").

14 grandes canciones de un gran músico para otro gran disco. Si no han seguido el trabajo de E hasta ahora, es un buen momento para empezar.

Devendra Banhart: "What Will We Be"

2010-01-18T06:22:00.000-08:00

Entrada en reparación

Loomer

Telekinesis: "Telekinesis!"

2010-01-15T05:09:00.000-08:00

Entrada en reparación

Loomer

Las Mejores Canciones del 2009

2010-01-14T06:46:00.000-08:00

Después tanto gimoteo por las elecciones de otros medios, me sugirieron hace unos días hacer esta entrada y me pareció un lindo desafio.

1. My Sad Captains: "Good to Go"

Por donde empezar... esta banda fue el hallazgo que más me entusiasmó en el 2009, y ese hallazgo fue gracias a "Good to Go". Encontrar una canción tan buena en un año tan discreto (a nivel musical) fue realmente emocionante, además de, como mencioné antes, con esta canción di a parar con My Sad Captains y su disco debut "Here and Elsewhere", uno de los mejores discos del año.

2. Coconut Records: "Microphone"

"Uno de nosotros tiene razón/uno de nosotros está equivocado". Una relación conflictiva, una confesión en un momento de intimidad, una canción de amor. Jason Schwartzman si que sabe de música y lo demuestra en "Davy", considerado como una de las gratas sorpresas del 2009 en la escena indie. Schwartzman está en un limbo con su pareja; lo hace sentir bien pero sabe que está mal. Pianitos de juguete, xilofones, acordes Beatle y una melodía que no nos podremos sacar de la cabeza por un buen par de días.

3. Florence & The Machine: "Rabbit Heart (Raise it up)"

Luego de una batalla ajustada con otros artistas como La Roux o The Pains of Being Pure at Heart, Florence & The Machine se lleva el premio a la gran revelación del 2009. Florence Welch tiene una voz única y lo demuestra en cada una de las 13 canciones del aclamado "Lungs". Al igual que Microphone de Coconut Records, Rabbit Heart es otra de relaciones conflictivas (Tema central del disco). Beats de máquinas, grandes arreglos de vientos y coros, más la increíble y elástica voz de Florence Welch para una de las mejores canciones del año.

4. Julian Casablancas: "11th Dimension"

Este fue el primer corte de Phrazes for the Young y, como adepto a The Strokes que soy, al escucharlo por primera vez no pude evitar preguntarme a dónde habría ido a parar el Casablancas que tanto idolatré en los discos de The Strokes. Sin embargo fue algo momentáneo y no tomó muchas escuchadas para que me empezara a gustar. La aventura solista de Casablancas presenta un Synth Pop (Otro más en el género y van...) retro futurista dominado por beats bailables, muchos sintetizadores y guitarras casi en un tercer plano. 11th Dimension se encarga de presentarnos este nuevo Julian Casablancas. Gusto en conocerlo.

5. White Lies: "To Lose My Life"

En la tradición inglesa de bandas con vocalistas que suenan como Ian Curtis, aparece White Lies con un disco debut (llamado como la banda) bastante discreto, pero con una de las mejores canciones del año. Atrapante por donde se la escuche y con un coro que, mamita..., vamos a cantar todos.

6. Phoenix: "1901"

Wolfgang Amadeus Phoenix es uno de los mejores discos del 2009 y está lleno de hits, por lo cual, prácticamente podríamos haber elegido cualquiera de las canciones y haberla puesto en esta selección, pero cuando escuchen 1901 van a entender por qué terminó siendo la elegida. Indie pop melancólico en una banda que va adquiriendo cada vez más respeto.

7. The Dead Weather: "Treat Me Like Your Mother"

La nueva superbanda de Jack White, Alison Mosshart y amigos hizo el mejor disco del 2009 y Treat Me Like Your Mother es probablemente el mejor exponente de esta fusión de músicos: la canción fue co-escrita por cada uno de los miembros de la banda. El resultado es un track capaz de arrollar todo lo que esté en su paso.

8. Wilco: "One Wing"

Jeff Tweedy y compañia toman el clisé "no se puede volar con una sóla ala" y aparecen con una de las mejores power ballads de la década.

9. Yeah Yeah Yeahs: "Zero"

La versión de Yeah Yeah Yeahs apta para las pistas de baile fue todo un éxito para la banda; It's Blitz! fue muy aclamado por la crítica y terminó entre los mejores discos del 2009. La línea de bajo in crescendo al inicio de Zero es una bomba de tiempo; es cuestion de minutos hasta que la canción se transforma en el hitazo, fiesta loca y todos a mover el esqueleto al compas de la histéria de Karen O que tan bien le sienta a la banda.

10. Arctic Monkeys: "Dance Little Liar"

Misteriosa, provocativa, atrapante... los miembros de Arctic Monkeys trabajan juntos en una gran armonía combinando todos los ingredientes para hacer de Dance Little Liar una canción merecedora de todos los adjetivos mencionados al principio.

Los 10 Mejores Discos del 2009

2009-12-14T07:43:00.000-08:00

The Dead Weather: "Horehound"
La gran aparición del 2009 se lleva también el mejor disco del año. Esta aplanadora del rock moderno con Jack White y Alison Mosshart a la cabeza es, sin dudas, lo mejor que le pudo pasar a este 2009.

Wilco: "Wilco (The Album)"
Jeff Tweedy nos demuestra una vez más que cuando se levanta inspirado puede hacer genialidades. Esta vez, Wilco aparece con la que sería su formación definitiva y nos entrega una gran colección de canciones para escuchar una y otra vez.

Phoenix: "Wolfgang Amadeus Phoenix"
Los franceses saben bien de hacer canciones entradoras, tal como lo habían demostrado en sus discos anteriores con "Long Distance Call" u "One Time Too Many" y repiten la fórmula en su nuevo disco. Melodías simples, grandes arreglos y canciones melancólicas para un disco genial.

Yeah Yeah Yeahs: "It's Blitz"
El trio liderado por Karen O introduce un par de sintetizadores y translada su ferocidad a las pistas de baile. Pocas bandas experimentan con suerte. Ellos, en cambio, triunfan. Bien por ellos.

Regina Spektor: "Far"
La gran cantautora aparece con todo su carsima en un disco en el que su capacidad como compositora se destaca como nunca. 15 canciones para el recuerdo en las que Regina se divierte, y contagia.

Yo la Tengo: "Popular Songs"
Otra vez los muchachos de New Jersey aparecen con una colección de canciones geniales bajo el brazo y nos demuestran que siguen teniendo la creatividad y el coraje de hacer algo que no hace nadie mas, cosa que vienen haciendo desde sus inicios allá por 1984. Muchachos de culto.

My Sad Captains: "Here and Elsewhere"
Simple, melancólico,indie, entrador, excelente. Como dijimos en la entrada sobre el disco, My Sad Captains se hacen querer desde la primera canción.

La Roux: "La Roux"
Elly Jackson es la sensación de las estaciones de radio y las pistas de baile. Revolvió alguna colección de discos de los 80', sumó sintetizadores, letras de corazones rotos y su voz hipnótica para crear un set de canciones inevitablemente pegajosas que dio lugar a una de las revelaciones más grandes de este año.

Arctic Monkeys: "Humbug" Esta vez, el cuarteto de Sheffield deja de lado aquella ruta segura que tanto éxito les trajo en sus dos primeros discos para optar por experimentar con sonidos nuevos, a gusto y piacere. El resultado es un disco lleno de psicodelia y ambientes oscuros, con aportes de grandes como Josh Homme y Alison Mosshart.

The Pains of Being Pure at Heart:
"The Pains of Being Pure at Heart".
Casiotone for the painfully alone, Devendra Banhart, Beach House...el lo-fi esta de moda. Pero los neoyorquinos hicieron el mejor disco y se llevan el podio. Noise pop en lo-fi en una banda con influencias como Joy Division, The Smiths o My Bloody Valentine.

Julian Casablancas: "Phrazes for the Young"

2009-11-09T13:59:00.000-08:00

Las canciones de Phrazes for the Young tienen un corte retro-futurista propio de los ochenta. La nueva receta de Julian Casablancas esta vez consta de sintetizadores espaciales, beats de máquinas y melodías simples y agradables, capaces de pegarse en nuestra cabeza con absoluta instantaneidad.

El título proviene de el ensayo de Oscar Wilde “Phrases And Philosophies For The Use Of The Young”. Acerca de esto, Julian Casablancas dijo: “…lo de Oscar Wilde se ríe de cuan superficiales son los humanos, yo estaba escribiendo más acerca de la arrogancia y la falta de visión en ciertas cosas”. Estas palabras de alguna manera revelan la visión que Casablancas muestra en el álbum; la sátira que presenta Casablancas en Left and right in the dark: “6 am, estás bailando en Hollywood: lo logramos” o la frustración y el pesimismo en canciones como Glass o Tourist y también la locura en Out of the blue. A pesar de todo, a Casablancas afirma con arrogancia, en forma de un “fuck you” con mucho estilo, “Me iré al infierno con mi campera de cuero”.

Out of the blue tiene una secuencia propia de las canciones de The Strokes. Pero a pesar de esa onda strokera, de entrada nos encontramos con un sonido diferente, definitivamente synthpop. Las guitarras de Left & right in the dark recuerdan instantáneamente al éxito de los ochenta I Ran de A flock of Seagulls. 11th dimension es una mezcla del new wave de los ochenta con el espíritu stroke. River of brakelights, la instancia más bizarra del disco, recuerda un poco a Electricityscape de First Impressions of Earth. Sin embargo, a los que esperan algo stroke eso será todo lo que podrán encontrar, ya que el disco es algo totalmente diferente.

No se pierdan el video que promociona el disco, en formato de trailer cinematográfico:

La nueva super banda de Thom Yorke

2009-10-08T11:13:00.000-07:00

Cae muy bien esto de las super bandas, ¿o me van a decir que The Dead Weather no es de lo mejor que nos ha ofrecido la música en lo que va del año?. Y bueno, esta vez es Thom Yorke quien nos sorprende con un proyecto nuevo, lo cual complica un poco las esperanzas que muchos guardabamos para el supuesto nuevo disco en el cual estaba trabajando Radiohead. De todos modos, muchos dirán "acá tenemos un bocadillo para saciar un poco la espera", pero no. Esto pinta para plato principal queridos lectores. Hablemos un poco de la banda entonces...

Thom Yorke convocó al baterista de su banda amiga R.E.M; Joey Waronker, quién le recomendó a Thom incluir también a Mauro Refosco, un talentoso multi-instrumentalista (aunque principalmente percusionista) de origen brasileño. La banda cuenta también con un bajista estelar: nada mas y nada menos que el mismisimo Flea de los Red Hot Chilli Peppers y el productor (y viejo amigo de Radiohead) Nigel Godrich.

La idea de la banda es tocar en vivo las canciones de The Eraser, disco solista de Yorke perteneciente al año 2006, algunos de Radiohead y otros propios. Sobre esto declaró Refosco: “Conocí a Thom en Junio, cuando estaba de gira con David Byrne en Londres. El tenía intenciones de hacer algunos shows en Los Angeles. Estamos ensayando hace un par de semanas. Esta sería la tercer semana de ensayos. Es muy pop, pero al mismo tiempo es bastante complicado … los temas tienen muchos detalles en los que estamos trabajando para los shows en vivo”.

La banda todavía no tiene nombre, pero no podemos decir que no pinta bastante bien, no?

The Go Find: "Stars on the Wall"

2009-08-17T12:38:00.000-07:00

The Go Find es una banda belga conformada por Dieter Sermeus (Voz y Guitarra), Tim Coenen (Batería y Guitarra), Nico Jacobs (Guitarra y Sintetizadores), Peter Pask (Bajo), y Joris Calluwaerts (Piano, Teclados y Sintetizadores).

El estilo de la banda es un indie pop con reminiscencias a las melodías de Fleetwood Mac o el Brit Pop de los noventa. Es un sonido “Otoñal”, como ellos mismos lo han definido a partir de las atmósferas cargadas de melancolía y quietud.

The Go Find fue en un principio, el nombre artístico que usaba Dieter Sermeusnace, lider y cerebro de la banda, para su proyecto en el que era sólo el quien componía y grababa las canciones. (Así se grabaría el primer disco en el 2004 titulado “Miami”). Luego llegarían los miembros restantes para terminar de conformar la banda. Vale considerar que Dieter cuenta con una importante experiencia como músico, considerando 3 discos de su banda anterior “Orange Black” y taloneando a bandas como Pavement o Stereolab.

No es un disco épico o atemporal, pero tiene gran prestancia para escucharlo en cualquier momento y engancharse con las canciones fácilmente, erigiéndose “Dictionary”, “New Year”, “Adrenaline” o “25 Years” como favoritas inmediatos.

Phoenix: "Wolfgang Amadeus Phoenix"

2009-08-09T12:31:00.000-07:00

Entrada en reparación

Loomer